Der böhmische Stil begann nicht bei den Hippies – seine Wurzeln reichen bis zu den Künstlern und Außenseitern des Paris der 1840er-Jahre zurück. Die berühmtesten Frauen des Jahrzehnts, von Stevie Nicks bis Talitha Getty, griffen auf quick ein Jahrhundert unruhiger, antiklassischer Kleidung zurück.
Die meisten Trendzyklen wirken willkürlich und werden von dem bestimmt, was die Branche verkaufen muss, und nicht davon, was der Träger tatsächlich zum Ausdruck bringen möchte. Der Bohemian-Stil fühlte sich schon immer persönlicher motiviert an und wurzelte in einem echten Unbehagen gegenüber Konventionen und dem Wunsch nach Kleidung, die etwas zutiefst Persönliches widerspiegelt.
Die Ursprünge des 19. Jahrhunderts
Das Wort selbst sagt Ihnen, wo Sie anfangen sollen. Böhmen conflict im 19. Jahrhundert ein Pariser Slang für das Volk der Roma, von dem fälschlicherweise angenommen wurde, dass es aus Böhmen in Mitteleuropa stammte. In den 1840er Jahren hatte es sich den Künstlern, Schriftstellern und Idealisten des Quartier Latin angeschlossen, die außerhalb der Regeln bürgerlicher Seriosität lebten. Nicht immer aus freien Stücken, sondern oft aus Philosophie. Henri Murgers Roman von 1851 Szenen aus dem Vie de Bohème romantisierte diese Welt so effektiv, dass sie ehrgeizig wurde. Bohemien zu sein bedeutete, frei, kreativ und wunderbar unabhängig von Konventionen zu sein.
Die Ästhetik, die um diese Identität herum wuchs, wurde von überall her übernommen. Stickereien aus Osteuropa, Schals aus Kaschmir, Samt aus dem Theater, Bauernblusen aus dem Nichts und überall gleichzeitig. Es conflict bewusst antiklassisch – Schichten über Struktur, Decoration über Zurückhaltung, Handgefertigtes über maschinell Fertiges. Präraffaelitische Maler kleideten ihre Modelle in fließende mittelalterliche Gewänder und nannten es Schönheit. Die Arts-and-Crafts-Bewegung erklärte das Industriezeitalter für geistig bankrott und wandte sich wieder dem Handwerk und der Natur zu. Beide Impulse wirkten sich direkt auf die Artwork und Weise aus, wie sich Menschen kleideten, die wollten, dass ihre Kleidung etwas bedeutete, das über die gesellschaftliche Stellung hinausging.
Die 1960er Jahre entdecken den Thread neu
Die Hippies haben den Bohème-Stil nicht erfunden. Sie haben es geerbt, erkannt und neu erfunden. Mitte der 1960er Jahre fand eine Era, die den Nachkriegsmaterialismus und die starre Geometrie der Mode des frühen Jahrzehnts ablehnte, im Bohème-Stil einen fertigen ästhetischen Stil. Die Silhouetten lockerten sich. Synthetische Fasern machten Baumwolle und Gaze Platz. SchlaghosenBauernblusen, Makramee, Fransen, Patchwork, Perlen in Massen – alles hatte Vorbilder aus dem 19. Jahrhundert, gefiltert jetzt durch Haight-Ashbury, die King’s Street und den indischen Subkontinent, aufgenommen in die Ästhetik der Plattenläden in San Francisco.
Was sich in den 1970er Jahren änderte, conflict die Verfeinerung. Die rohe Energie der Gegenkultur der späten Sechzigerjahre wurde von Modehäusern, Stylisten und Frauen aufgesogen, die die Freiheit der Silhouette ohne das damit verbundene ideologische Gewicht wollten, und der Bohème-Stil verlor nach und nach seine Assoziation mit Protest und wurde zu etwas, das Frauen trugen, weil sie einfach liebten, wie es sich anfühlte.
Böhmische Stilikonen
Wenn Sie den Bohème-Stil der 1970er Jahre verstehen möchten, beginnen Sie mit Stevie Nicks. Die Nicks der Fleetwood Mac-Ära – mehrlagiger Chiffon, Plateaustiefel, Samtumhänge, Zylinder, die schräg über langem, welligem Haar getragen werden. Sie definierte etwas, das sich wirklich neu anfühlte, obwohl sie im viktorianischen Spiritualismus und einer Artwork romantischer Theatralik verwurzelt conflict, die ganz ihr eigen conflict. Die Kleidung sah an ihr unvermeidlich aus, was nur sehr wenigen Frauen in der Geschichte der Popmusik mit der gleichen Konsequenz gelungen ist.
Talitha Getty fotografiert von Patrick Lichfield auf einem Dach in Marrakesch im Jahr 1969 – in einen außergewöhnlich bestickten Mantel gehüllt, weiße Stiefel über die Terrakottafliesen ausgestreckt, in der Ferne erhebt sich das Koutoubia-Minarett hinter ihrem Ehemann – ist ein weiteres Bild, das das Jahrzehnt vor seinem eigentlichen Beginn definiert.
Sie conflict eine Schlüsselfigur im Jet-Set-Bohemien-Crossover, bei dem ernsthaftes Geld auf nomadische Ästhetik traf und Textilien aus Nordafrika und dem Nahen Osten auf eine noch nie dagewesene Artwork und Weise in die Modewelt des Mainstreams Einzug hielten. Talitha Getty begegnete mir zum ersten Mal in einem der amerikanischen Vogue-Journal meiner Mutter. Sie hatte es 1970 aus New York mitgebracht. Ich erinnere mich, wie ich als Type darüber gebrütet habe. Es gab etwas in diesen Bildern, das mir im Gedächtnis geblieben ist. Diese besondere Kombination aus außergewöhnlichem Reichtum und absoluter Leichtigkeit, gehüllt in die exotischste Bohème-Kleidung
Der Designer: Ossie Clark
Kein einziger Designer verkörperte den Bohème-Glamour der 1970er Jahre besser als Ossie Clark. Von London aus arbeitend, aber mit einem weitaus größeren visuellen Vokabular, schnitt Clark schräg geschnittene Chiffonkleider und Krepphemden mit einem fließenden Verständnis dafür, wie sich Stoff auf einem Körper bewegt. Seine Drucke – oft in Zusammenarbeit mit seiner damaligen Frau Celia Birtwell entworfen – waren botanisch, romantisch und tief gesättigt. Zu seinen Kunden gehörten Jagger, Faithfull und praktisch jede bedeutende Frau in der Londoner Kunstwelt. Ein Clark-Kleid schmiegte sich um den Körper, anstatt auf ihm zu sitzen, und diese körperliche Qualität zog sich durch alles, was seine Arbeit dem Bohème-Geist des Jahrzehnts so lebendig erscheinen ließ.
Böhmischer Schmuck und die Münzmode
Schmuck in der Bohème-Custom conflict nie zurückhaltend. Die Model aus den 1970er Jahren orientierte sich stark an antiken und mediterranen Bezügen – gehämmertes Gold, Münzanhänger, mehrschichtige Ketten, in oxidiertes Silber eingefasster Türkis. Die Modeerscheinung des Münzschmucks knüpfte an etwas an, dessen Wurzeln bis in die byzantinische Zeit und noch weiter bis in die Zeit Jesu zurückreichen.
Er sprach im Gleichnis von der verlorenen Münze in Lukas 15:8-10 über die verlorenen Mitgiftmünzen einer Frau. Im alten Palästina wurden diese Münzen in einen Kopfschmuck des Hochzeitskostüms eingenäht. Wird von allen Frauen der Levante getragen, egal ob Jüdin, Christin oder später Muslimin. Es hieß Wuqayat al-Darahem oder die Smadeh.
Historisch gesehen trugen in der Levanteregion Frauen aus wohlhabenderen Familien sie auch zu besonderen Anlässen – wiederum als Zeichen des Reichtums. Das an einem Band oder Netz aufgehängte Stirnmittelstück, in der arabischen Schmucktradition als bekannt jabhahhatte sowohl schützende als auch dekorative Bedeutung.
Die österreichische Schauspielerin Marisa Mell trug genau diese Artwork von Stück – ein schwarzes Spitzennetz-Kopfstück mit baumelnden Goldmünzen, gepaart mit einem gehämmerten Goldhalsband – und brachte damit genau zum Ausdruck, warum die westliche Mode es so fesselnd fand, weil es das Gewicht von etwas sehr Altem trug und sehr weit von einem Pariser Atelier entfernt conflict.
Kollektionen von Designern wie Roberto Münzschmuck Verwenden Sie weiterhin strukturiertes Gold, fließende Formen, florale Particulars und organische Bewegungen, die mit demselben mediterranen Glamour verbunden sind, der so viel vom Stil der 1970er Jahre geprägt hat.
Wenn ich das alles zusammen betrachte, fällt mir am meisten auf, wie kohärent die durchgehende Linie tatsächlich ist. Von den Pariser Mansarden der 1840er Jahre bis hin zu Stevie Nicks, der in Chiffon auf einer kalifornischen Bühne herumwirbelt, ist alles von demselben Instinkt durchdrungen – der Wunsch nach Kleidung, die eine innere Welt widerspiegelt, anstatt sich einer äußeren Welt anzupassen, und die Mode entdeckt ihn immer wieder neu, weil dieser Wunsch niemals verschwindet.
Das ist alles! © Glamourdaze
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